“O medo foi sempre muito real para mim. Então, o que fiz foi me livrar de meus medos, transferindo-os para os outros, o público.”

Steven Spielberg, em sua biografia, explica o papel do medo em sua obra.

Há 50 anos, chegava aos cinemas brasileiros um dos clássicos do diretor, “Tubarão” (1975). No enredo, a tranquilidade de uma cidade litorânea é interrompida por uma série de ataques atribuídos a um tubarão-branco. Diante da pressão política para manter a cidade aberta durante o verão, o chefe de polícia (Roy Scheider) une forças com um oceanógrafo (Richard Dreyfuss) e um caçador de tubarões (Robert Shaw) para eliminar a ameaça.

O trio central sustenta o filme tanto pelo conflito externo quanto pelas tensões internas entre razão científica, autoridade institucional e obsessão pessoal. Tubarão foi indicado a quatro Oscars e venceu três, incluindo Melhor Montagem, Melhor Trilha Sonora Original para John Williams e Melhor Som.

O caminho para o sucesso, porém, foi cheio de obstáculos. Problemas com o animal mecânico mudaram o destino da produção. Com dificuldade em exibir o animal na tela, Spielberg optou pelo terror psicológico. Em “Tubarão”, o medo surge não pela presença constante do predador, que pouco aparece no filme. É a possibilidade do seu surgimento, inesperada e fatal, que apavora o público. A bela trilha de John Williams amplifica o temor. Todos esses elementos semeiam o medo. Através da imaginação, nós fazemos a tensão crescer.

O título também é considerado o primeiro blockbuster do cinema. Seu lançamento foi precedido por uma campanha de divulgação sem precedentes. O trailer, que parecia uma reportagem, foi apresentado um ano antes do filme estrear. “Tubarão” também ganhou propaganda na TV, algo inédito. Resultado: todos queriam ver “Tubarão”. Deixar de ir ao cinema seria o mesmo que não ser convidado para uma festa popular. A venda de produtos temáticos, como camisas e bonés, também ganhou tração com o sucesso de “Tubarão”.

O filme apontou novos rumos para o cinema enquanto negócio. Se antes os estúdios reservavam as grandes estreias para o fim de ano, “Tubarão” antecipou o auge da experiência cinematográfica para julho, quando verão e férias escolares se encontram nos EUA. Desde então, os jovens são o principal público almejado por Hollywood.

“[Minha mãe] nunca tinha visto uma vida parecida com a sua na tela. Quando viu que era possível se afirmar na arte do cinema, ela chorou e sorriu.”

Essa frase da escritora Alice Walker resume a alma de “A Cor Púrpura”. Lançado em 1982 e vencedor do Pulitzer, o livro acompanha a jornada de Celie. Enfrentando um contexto de severa opressão e desafios familiares profundos, ela encontra refúgio ao escrever cartas para Deus e para a irmã distante.

Essa potência chegou aos cinemas pela primeira vez há 40 anos pelas mãos de Steven Spielberg. O filme marcou a estreia de Whoopi Goldberg (Celie) e Oprah Winfrey (Sofia), além de trazer Danny Glover como o terrível “Mister”. A produção entrou para a história por dois motivos: sua carga emocional devastadora e uma das maiores injustiças do Oscar. Mesmo com 11 indicações, o filme saiu de mãos vazias, embora Spielberg tenha sido reconhecido pelo sindicato dos diretores.

Em 2023, a história ganhou nova versão cinematográfica, desta vez baseada no musical da Broadway. A produção contou com Spielberg, Quincy Jones e Oprah. O elenco brilha com Fantasia Barrino (Celie) e Danielle Brooks (Sofia), que já viviam os papéis no teatro, ao lado de Taraji P. Henson e da cantora H.E.R.

Essa semana é a última oportunidade para conferir Estação Onze (Station Eleven), que deixa o catálogo da HBO Max em 15 de dezembro. Criada por Patrick Somerville (The Leftovers), a minissérie adapta o romance homônimo de Emily St. John Mandel, apostando em uma abordagem sensível e pouco convencional sobre colapso, afetos e arte.

A trama articula múltiplas linhas do tempo para examinar os efeitos de uma pandemia. Vinte anos após o colapso da civilização, a jovem Kirsten (Mackenzie Davis) integra a Sinfonia Itinerante, um grupo de artistas que percorre comunidades isoladas encenando Shakespeare. O percurso do grupo os coloca em rota de colisão com um culto violento, cujas origens estão ligadas ao passado de alguns personagens centrais.

Em relação ao livro, a adaptação promove mudanças estruturais significativas. A mais importante é o aprofundamento da relação entre Jeevan (Himesh Patel) e a jovem Kirsten (Matilda Lawler). Enquanto no romance eles se separam logo no início, a série estende essa convivência por anos, transformando-a no principal eixo afetivo da narrativa. Também há a transposição do cenário de Toronto para Chicago e uma reformulação do personagem Tyler, que recebe um arco mais desenvolvido e complexo.

O resultado foi amplamente reconhecido pela crítica, rendendo sete indicações ao Emmy. Mais do que sobreviver, Estação Onze sugere que arte, memória e vínculo humano são condições fundamentais para a vida continuar pulsando.

Há 35 anos, “Esqueceram de Mim” chegava discretamente aos cinemas norte-americanos. Com o tempo, conquistou o público e se consolidou como clássico natalino. Mais que isso: tornou-se a comédia live-action de maior bilheteria da história, arrecadando US$ 285 milhões apenas nos Estados Unidos, desempenho superado exclusivamente por animações.

O roteiro foi assinado por John Hughes, responsável por marcos da comédia dos anos 1980 como “Curtindo a Vida Adoidado” (1986), “O Clube dos Cinco” (1985), “Gatinhas e Gatões” (1984) e “Férias Frustradas” (1983). Apesar do currículo repleto de sucessos, Hughes demonstrava insegurança quanto à premissa. Ele temia que o público considerasse inverossímil uma família esquecer um filho em casa durante as férias.

Curiosamente, diversos momentos icônicos surgiram por improviso. A cena em que Macaulay Culkin coloca as mãos no rosto, expressando surpresa, não estava no roteiro original. Toda a participação especial de John Candy também foi improvisada: o comediante criou suas próprias falas.

A direção coube a Chris Columbus, então conhecido principalmente como roteirista de “Gremlins” (1984), “Os Goonies” (1985) e “O Enigma da Pirâmide” (1985). O filme marcaria sua consolidação como diretor.

Dois anos depois, equipe e elenco principal se reuniriam em “Esqueceram de Mim 2: Perdido em Nova York” (1992). A franquia teria outras continuações, porém com elenco e equipe criativa diferentes.

A série “Alien: Earth” estabelece o planeta Terra como o novo cenário para o conflito da franquia. A história é um prelúdio, com eventos que ocorrem dois anos antes do filme lançado em 1979.

O projeto é liderado por Noah Hawley, um criador reconhecido por sua habilidade em ampliar franquias já estabelecidas. Hawley é um mestre em reimaginar universos. Em vez de simplesmente adaptar, ele reinventa. Com “Fargo” (originalmente um filme) e “Legião” (HQ), Hawley criou séries de televisão com identidades próprias.

Disponível na Disney+, “Alien: Earth” reforça a reputação criativa de Hawley. A produção se posiciona como uma das propostas mais singulares e relevantes da nova temporada audiovisual, oferecendo uma abordagem renovada ao terror clássico.

Nesse contexto, o elenco reúne Sydney Chandler, que interpreta a meta-humana Wendy, e Timothy Olyphant, no papel de um mentor sintético. A relação entre os dois funciona como um dos principais eixos dramáticos da série, articulando a tensão entre criação e criador e, sobretudo, o processo de amadurecimento que atravessa a protagonista.

A escolha do nome de Wendy não é casual: trata-se de uma referência a Peter Pan. Na obra de J. M. Barrie, Wendy é a personagem que aceita o crescimento e a responsabilidade, abandonando a Terra do Nunca para seguir adiante. A série ressignifica esse simbolismo ao inseri-lo em um cenário distópico.

Wendy não é a única alusão ao universo de Peter Pan. Existe uma equipe de híbridos criada a partir de crianças humanas que estavam à beira da morte. O cientista-bilionário por trás do experimento — um adulto que se recusa a “crescer”, no sentido emocional e ético — batiza o grupo com os nomes dos personagens originais de Barrie. Contudo, essa nova identidade cobra um preço alto: para sobreviver, essas crianças precisam deixar suas famílias, tornando-se órfãs em uma Terra do Nunca tecnológica.

Embora não envelheçam, elas evoluem, ainda que por meio de conflitos, rupturas e perdas. Lançadas em um jogo de poder que não compreendem totalmente, permanecem distantes de casa. Com o tempo, porém, aprendem a reconhecer suas capacidades e a dominar o próprio destino, movimento que ganha força no desfecho intenso da temporada, que antecipa a segunda temporada, já confirma.

Há cinco anos, a Netflix lançava a terceira e última temporada de Dark, série alemã de drama, suspense e ficção científica criada por Baran bo Odar e Jantje Friese. Concebida desde o início como uma narrativa fechada em três ciclos, a produção se destacou por assumir a complexidade como método e não como ornamento. Cada detalhe importa, cada escolha reverbera, e nada existe fora do encadeamento maior que estrutura a história.

A trama se passa na fictícia cidade de Winden, onde o desaparecimento de duas crianças desencadeia uma busca por respostas que rapidamente revela conexões com eventos anteriores. À medida que segredos familiares vêm à tona, o que parecia um mistério local se transforma em um sistema narrativo que atravessa gerações e múltiplas linhas temporais. A série constrói sua lógica acumulando relações de causa e efeito, muitas vezes esclarecendo o presente apenas após expandir ainda mais o enigma. O resultado desafia a leitura linear e exige atenção constante do espectador.

A recepção crítica refletiu esse rigor. A série mantém nota 8,7 no IMDb e aprovação superior a 90% no Rotten Tomatoes entre críticos e público. Em votações populares promovidas pelo próprio site, Dark chegou ao topo em disputas internas de produções da Netflix, superando títulos mais populares.

Dirigido por Robert Zemeckis, “Aqui” está disponível no Prime Video. O filme se passa em um único ambiente que testemunha diversas histórias ao longo das décadas.

A obra é uma adaptação da graphic novel de Richard McGuire, reconhecida por sua narrativa visual experimental. A obra sobrepõe diferentes períodos históricos no mesmo quadro, permitindo ao leitor observar simultaneamente eventos de épocas distintas no mesmo espaço físico. Para traduzir essa linguagem ao cinema, Zemeckis optou por uma câmera fixa, posicionada em um único ângulo durante toda a projeção.

A produção marca o reencontro da equipe central do clássico Forrest Gump (1994). Além da direção de Zemeckis, o filme tem roteiro de Eric Roth e conta com Tom Hanks e Robin Wright no protagonismo.

Um elemento técnico fundamental para o projeto foi o uso da ferramenta Metaphysic Live, que permitiu rejuvenescer e envelhecer o elenco em tempo real. Diferente das maquiagens prostéticas tradicionais, essa tecnologia possibilitou que Hanks e Wright interpretassem seus personagens da adolescência à velhice com maior fluidez.

No festival de Dreux, onde o Brasil foi homenageado, Walter Salles destacou que “um filme só fica pronto quando é confrontado com o olhar dos outros”. O cineasta também valorizou a participação dos brasileiros que compartilharam suas histórias familiares e ajudaram a completar seu filme mais recente, “Ainda Estou Aqui”.

Baseado nas memórias de Marcelo Rubens Paiva, o drama “Ainda Estou Aqui” (2024), protagonizado por Fernanda Montenegro e Selton Mello, explora a resiliência íntima de Eunice Paiva, oferecendo um retrato sensível de perda e reconstrução familiar.

O filme alcançou reconhecimento histórico na 97ª cerimônia do Oscar (2025), vencendo como Melhor Filme Internacional, a primeira produção brasileira a conquistar essa categoria. Além disso, recebeu indicações inéditas a Melhor Filme e Melhor Atriz para Fernanda Torres, cuja performance foi amplamente celebrada, incluindo a conquista do Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme de Drama.

“Ainda Estou Aqui” também recebeu o Prêmio Goya de Melhor Filme Ibero-Americano e indicações ao BAFTA e Critics Choice Awards.

Após o divisor de águas “Santiago”, a carreira de João Moreira Salles trilhou um novo caminho, marcado pela busca por expandir as fronteiras do documentário, mesclando a observação do cinema direto com a reflexão pessoal. Essa fase, menos prolífica em quantidade, ganha um novo capítulo com o lançamento de “Minha terra estrangeira” na 30ª edição do É Tudo Verdade, festival com o qual o cineasta mantém uma longa e frutífera relação.

Em entrevista, Salles explora essa evolução, desde a época em que festivais como o ETV eram a principal janela para o documentário brasileiro, até o cenário atual de abundância de plataformas. Para ele, o valor de um festival reside hoje na curadoria, na capacidade de selecionar, em meio a uma vasta produção, obras que se destacam e refletem um olhar particular, contribuindo para o debate sobre o gênero.

O diretor também comenta a democratização da produção audiovisual impulsionada pela tecnologia, desde as câmeras digitais até os smartphones, que possibilitam narrativas antes inviáveis, como os filmes de Sandra Kogut. Em sintonia com esse pensamento, ele recorda a preocupação de Eduardo Coutinho com a velocidade das imagens na televisão e especula sobre como o cineasta abordaria a estética das redes sociais, acreditando que ele as colocaria no centro da discussão.

Sobre a inteligência artificial no cinema, Salles a encara como mais uma ferramenta que trará novas formas de contar histórias. Em relação a “Minha terra estrangeira”, codirigido com Louise Botkay e o Coletivo Lakapoy, ele o situa mais próximo de seu filme “Entreatos”, revelando que a colaboração trouxe diferentes perspectivas para a narrativa, acompanhando o líder indígena Almir Suruí (filmado pelo Lakapoy) e sua filha, a ativista Txai Suruí (filmada por Salles) durante as eleições de 2022.

O título do documentário remete à condição dos povos originários no Brasil, tratados como estrangeiros em sua própria terra, sendo a referência ao filme de seu irmão Walter Salles (“Terra Estrangeira”) é uma feliz coincidência.

“Minha terra estrangeira” será exibido gratuitamente no Rio de Janeiro e em São Paulo durante o festival É Tudo Verdade, com sessões seguidas de debate no Rio. A data de lançamento comercial ainda não foi divulgada.