Raccord

Cinema e séries em contínua conexão. Entre planos, obras, épocas e olhares. Curadoria, notícias e tutoriais.

    • Clássico de Danny Boyle, Trainspotting retorna às telas em seu 30º aniversário

      Trinta anos após seu lançamento, “Trainspotting” voltou aos cinemas no exterior em uma restauração digital em 4K que celebra o aniversário de um dos filmes britânicos mais influentes dos anos 1990. Dirigido por Danny Boyle e lançado em 1996, o longa acompanha Mark Renton, interpretado por Ewan McGregor, e seu grupo de amigos.

      A energia que marcou o filme aparece logo na abertura, embalada por uma montagem acelerada, o monólogo “Choose Life” e “Lust for Life”, de Iggy Pop. Poucos longas apresentam seu universo de forma tão direta. Em poucos minutos, “Trainspotting” estabelece o ritmo, o humor ácido e os conflitos que atravessariam toda a narrativa.

      Produzido com um orçamento modesto de cerca de US$ 2,5 milhões, o filme transformou Boyle, McGregor e nomes como Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner e Kelly Macdonald em referências do cinema britânico. O sucesso comercial acompanhou a repercussão crítica: a obra arrecadou mais de US$ 70 milhões nas bilheterias mundiais, recebeu indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado e venceu o BAFTA na mesma categoria.

      Ao longo das décadas, a obra passou a ser revisitada como um retrato das transformações sociais vividas pela Escócia e pelo Reino Unido após o declínio de setores industriais e o aumento do desemprego em diversas comunidades urbanas. O roteiro de John Hodge evita explicações simplistas e acompanha personagens que alternam entre tentativas de recuperação e recaídas, sem buscar redenções fáceis.

      Outro elemento que ajudou a consolidar sua reputação foi a trilha sonora. Faixas de Iggy Pop, Underworld, Blur, Pulp, New Order, Primal Scream e Lou Reed ajudaram a definir a identidade do filme e ampliaram sua influência sobre a cultura pop dos anos 1990. A utilização de “Born Slippy”, do Underworld, tornou-se uma das associações mais conhecidas entre música e cinema daquele período.

      Três décadas depois, o filme continua presente em rankings e retrospectivas do cinema. A história também seguiu crescendo fora das telas. Irvine Welsh expandiu o universo de “Trainspotting” com a prequela “Skagboys” (2012) e romances como “The Blade Artist” (2016) e “Dead Men’s Trousers” (2018). No cinema, a trajetória dos personagens continuou em “T2 Trainspotting” (2017), inspirada no livro “Porno” (2002).

    • Como a trilha de “Trainspotting” ajudou a definir uma geração

      Ao completar 30 anos, “Trainspotting” reafirma uma característica que o acompanhou desde a estreia em 1996. Mais do que a história de Mark Renton e seus amigos, foi também a trilha sonora que ajudou a transformar o filme de Danny Boyle em um dos principais retratos culturais dos anos 1990.

      Os primeiros segundos já deixavam claro o caminho escolhido. Enquanto Ewan McGregor corre pelas ruas de Edimburgo recitando o famoso monólogo “Choose Life”, “Lust for Life”, de Iggy Pop, estabelece o ritmo frenético que acompanha boa parte da narrativa. A música participa da construção do personagem e do universo que o cerca.

      Ao longo do filme, Boyle reuniu artistas de diferentes gerações e estilos para criar um panorama sonoro que refletia tanto a herança do rock alternativo quanto a efervescência da música britânica dos anos 1990. A seleção inclui nomes como Blur, Pulp, Elastica, Primal Scream, New Order, Lou Reed, Brian Eno e Underworld.

      Algumas escolhas tornaram-se especialmente marcantes. “Perfect Day”, de Lou Reed, acompanha uma das cenas mais conhecidas do longa e contrasta delicadeza melódica com a realidade brutal da dependência química. Já “Deep Blue Day”, de Brian Eno, conduz uma das sequências mais surreais do filme, demonstrando como a trilha frequentemente dialoga com o humor sombrio e o imaginário visual criado por Boyle.

      Mas nenhuma faixa ficou tão associada a “Trainspotting” quanto “Born Slippy”, do Underworld. A música ultrapassou os limites do filme e se transformou em um hino definitivo da cultura eletrônica dos anos 1990, consolidando o grupo britânico no primeiro escalão da cultura pop global.

      A relação entre cinema e música em “Trainspotting” também ajudou a aproximar o filme do movimento cultural que dominava o Reino Unido na época. Enquanto o Britpop e a cena alternativa ocupavam rádios e festivais, o longa surgia como uma espécie de equivalente cinematográfico daquele momento. O próprio Ewan McGregor recordou que o elenco sentia fazer parte da mesma onda cultural que impulsionava a juventude britânica em meados dos anos 1990.

      O sucesso da seleção musical foi tão grande que ultrapassou os limites do próprio filme. Além da trilha sonora principal, lançada em 1996, “Trainspotting” ganhou um segundo álbum no ano seguinte, reunindo músicas presentes no longa e faixas associadas ao seu universo, como “Choose Life”, do PF Project.

      Trinta anos depois, filme e trilha sonora permanecem ligados na memória coletiva. As músicas passaram a fazer parte da identidade de Trainspotting, assim como seus personagens, cenas e diálogos. O resultado foi uma obra que ajudou a definir um momento cultural e uma trilha que seguiu ecoando muito além da sala de cinema.

    • O que assistir na Tela Brasil? Veja os destaques do novo streaming gratuito

      Do Cinema Novo aos sucessos dos anos 2000, a Tela Brasil (https://telabrasil.cultura.gov.br/) estreou reunindo diferentes fases do audiovisual nacional em um único catálogo. O novo streaming público gratuito entrou no ar com mais de 500 obras e acabou funcionando também como uma vitrine da história do cinema brasileiro, misturando clássicos restaurados, filmes indicados ao Oscar, documentários musicais e produções recentes que circularam por festivais internacionais.

      Entre os títulos mais influentes disponíveis está “Deus e o Diabo na Terra do Sol” (1964), de Glauber Rocha, considerado um dos marcos do Cinema Novo. Outro clássico presente é “Xica da Silva” (1976), dirigido por Cacá Diegues, além de “A Noite do Espantalho” (1974), de Sérgio Ricardo. O catálogo também inclui “A Hora da Estrela” (1985), adaptação da obra de Clarice Lispector dirigida por Suzana Amaral, uma das produções mais importantes dos anos 1980.

      A seleção dedicada aos filmes brasileiros indicados ao Oscar reúne “O Quatrilho” (1995), de Fábio Barreto, e “O Que É Isso, Companheiro?” (1997), dirigido por Bruno Barreto. Já os anos 2000 aparecem representados por produções que ajudaram a ampliar a presença do cinema brasileiro no circuito internacional, como “Carandiru” (2003), de Hector Babenco, “Olga” (2004), de Jayme Monjardim, “Quase Dois Irmãos” (2004), de Lúcia Murat, e “Cinema, Aspirinas e Urubus” (2005), de Marcelo Gomes.

      O catálogo ainda abre espaço para produções mais recentes e títulos independentes, como “As Duas Irenes” (2017), de Fábio Meira, “Inabitável” (2020), de Enock Carvalho e Matheus Farias, além de “Mergulho” (2022), de Marton Olympio e Anderson Jesus.

      Os documentários também ocupam parte importante da plataforma. Entre eles estão “Divinas Divas” (2016), dirigido por Leandra Leal, “Barão Vermelho: Por Que a Gente É Assim?” (2017), “My Name Is Now”, sobre Elza Soares, e “Um Filme de Cinema” (2017), de Walter Carvalho.

    • A internet como laboratório: como o terror abriu portas para uma nova geração de diretores

      Hollywood passou décadas formando seus diretores quase sempre pelos mesmos caminhos: escolas de cinema, produtoras, festivais e contatos internos da indústria. Nos últimos anos, porém, parte dessa lógica começou a mudar. A internet se tornou espaço de experimentação para uma geração de criadores que começou produzindo vídeos independentes, acumulou audiência online e transformou esse alcance em oportunidade dentro do cinema comercial.

      O terror tem ocupado papel central nesse movimento. Com custos mais baixos, forte apelo de público e maior abertura ao risco, o gênero virou ambiente ideal para diretores que começaram fora dos estúdios tradicionais. Muitos desses projetos nasceram em curtas publicados no YouTube, em campanhas de financiamento coletivo ou em séries produzidas para comunidades digitais antes de chegarem aos cinemas.

      David F. Sandberg é um dos exemplos mais conhecidos desse percurso. O diretor sueco construiu reputação com uma série de curtas de horror produzidos sem orçamento e distribuídos sob o pseudônimo ponysmasher no YouTube e no Vimeo. Em 2013, o curta “Lights Out” acumulou milhões de visualizações, atraindo a atenção do produtor James Wan. O resultado foi um longa homônimo lançado em 2016 e, no ano seguinte, a direção de “Annabelle 2: A Criação do Mal”.

      Chris Stuckmann percorreu um caminho diferente, mas sustentado pela mesma lógica. Conhecido no YouTube desde o fim dos anos 2000, ele passou mais de uma década publicando críticas de cinema, ensaios sobre linguagem audiovisual e comentários sobre a indústria. Ao longo desse período, acumulou mais de dois milhões de inscritos antes de dirigir seu primeiro longa. Em 2022, transformou essa audiência em financiamento direto para “Terror em Shelby Oaks” no Kickstarter. A campanha arrecadou cerca de 1,4 milhão de dólares em menos de um mês, tornando-se o projeto de terror mais financiado da plataforma até então. O filme estreou no Festival Fantasia em julho de 2024, foi adquirido pela Neon e chegou às salas americanas no ano seguinte.

      Mais recentemente, esse processo ganhou maior dinamismo. Curry Barker, de 26 anos, saiu do YouTube para dirigir “Obsessão”, longa de horror produzido com menos de um milhão de dólares. O filme estreou no Festival de Toronto, foi adquirido pela Focus Features e ultrapassou cem milhões de dólares em arrecadação apenas nos Estados Unidos.

      Kane Parsons surgiu ainda mais cedo. Aos 16 anos, começou a publicar online os vídeos da série Backrooms, explorando espaços vazios e atmosferas inspiradas na estética de fóruns da internet. O projeto acumulou milhões de visualizações e chamou a atenção da A24, que contratou Parsons ainda adolescente para dirigir a adaptação cinematográfica. Ele filmou o longa aos 19 anos, tornando-se o diretor mais jovem da história do estúdio. Na semana de estreia, “Backrooms: Um Não-Lugar” arrecadou 81,5 milhões de dólares nos Estados Unidos.

      Mais do que trajetórias individuais, esses casos revelam uma mudança de modelo. A internet passou a funcionar como espaço de teste para novos diretores, enquanto o terror se consolidou como o ambiente ideal para transformar audiência online em oportunidade no cinema comercial. Agora, parte da renovação de Hollywood começa fora dela.

    • Novo filme expandirá o universo do filme “Obsessão”

      “Obsessão” transformou Curry Barker em um dos novos nomes mais observados do terror contemporâneo, e o próximo passo do diretor já começou a ganhar forma. Barker confirmou que seu novo longa, “Anything But Ghosts”, acontecerá no mesmo universo do fenômeno de 2026. A produção será novamente desenvolvida em parceria com a Blumhouse e acompanhará dois golpistas especializados em fingir investigações paranormais até se depararem com uma entidade verdadeiramente ameaçadora.

      [Spoiler] Durante uma sessão de perguntas e respostas após exibições do filme, Barker revelou que “Anything But Ghosts” terá conexões diretas com os acontecimentos do longa anterior. Segundo o diretor, uma reportagem exibida dentro do novo filme fará referência aos assassinatos cometidos por Nikki em “Obsessão”, sugerindo que as consequências da história continuam afetando aquele universo. [Spoiler]

      O elenco também elevou a expectativa em torno do projeto. Aaron Paul, conhecido por “Breaking Bad”, e Bryce Dallas Howard já foram confirmados na produção, ao lado de Violet McGraw. O próprio Barker também participará do elenco, repetindo a parceria criativa com Cooper Tomlinson, colaborador frequente de seus trabalhos independentes.

    • “Obsessão”: o terror de uma relação sem limites

      “Obsessão” deixou de ser apenas uma surpresa de bilheteria para se tornar um dos filmes de terror mais comentados de 2026. O longa dirigido por Curry Barker, cineasta de 26 anos que começou produzindo vídeos independentes na internet, mistura terror sobrenatural e romance obsessivo para construir uma história sobre carência emocional, desejo de controle e perda de autonomia. O longa alcançou 95% de aprovação dos críticos e do público no agregador Rotten Tomatoes.

      A trama de “Obsessão” acompanha um jovem tímido, interpretado por Michael Johnston, que utiliza um amuleto sobrenatural para fazer com que sua amiga Nikki, papel de Inde Navarrette, se apaixone por ele. O efeito, porém, transforma a relação em um pesadelo. Nikki passa a agir de maneira cada vez mais instável, possessiva e violenta, enquanto sua própria personalidade desaparece.

      “Obsessão” desconstrói clichês das comédias românticas. Grande parte da repercussão surgiu justamente da forma como o filme desmonta a imagem clássica do “bom rapaz” romântico. Em vez de apresentar insistência e obsessão como prova de amor, “Obsessão” trata o desejo de posse como uma força destrutiva. O longa passou a ser associado a discussões sobre dependência emocional, consentimento e a romantização de comportamentos invasivos.

      A atuação de Navarrette virou um dos pontos mais elogiados do projeto. O filme alterna momentos de vulnerabilidade e violência explícita enquanto acompanha a deterioração física e psicológica da personagem. Em muitas cenas, o horror não surge apenas dos sustos, mas da sensação de que Nikki perde gradualmente a capacidade de decidir por si mesma.

      Com custo estimado em menos de 1 milhão de dólares, “Obsessão” está próximo de ultrapassar a marca de 100 milhões de dólares na bilheteria norte-americana. Projeções indicam potencial para atingir mais de 200 milhões de dólares globalmente.

    • Tela Brasil estreia com mais de 500 produções nacionais gratuitas

      A plataforma pública de streaming Tela Brasil entrou no ar neste sábado (30 de maio) com um catálogo inicial de 555 obras audiovisuais brasileiras produzidas entre 1910 e 2025. O projeto foi desenvolvido pelo Ministério da Cultura em parceria com a Universidade Federal de Alagoas (UFAL).

      O serviço estreia inicialmente na versão web (https://telabrasil.cultura.gov.br/) e deve ganhar aplicativos para Android e iOS nas próximas semanas. Segundo o governo federal, mais de R$ 10 milhões foram investidos em desenvolvimento, licenciamento, acessibilidade e estruturação da plataforma. Entre os recursos disponíveis estão audiodescrição, Libras e legendagem descritiva.

      O catálogo mistura clássicos do cinema nacional, produções indicadas ao Oscar e filmes mais recentes. Obras como “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, “A Hora da Estrela”, “Olga”, “Carandiru” e “Cinema, Aspirinas e Urubus” já estão disponíveis. A plataforma também reúne séries, telefilmes e documentários sobre música, cultura e história brasileira.

    • “Thelma & Louise”: um retrato da liberdade construída no limite

      Lançado em 1991, Thelma & Louise cristalizou na tela tensões dos anos 1990: autonomia corporal, violência de gênero e a impossibilidade de escapar de estruturas sem ruptura radical. Três décadas depois, o filme permanece referência obrigatória em debates sobre representação feminina no cinema.

      Geena Davis e Susan Sarandon construíram uma química marcante entre seus papéis: a ingênua dona de casa e a figura transgressora, porém desencantada. O roteiro de Callie Khouri acompanha as personagens que, após um incidente crítico, fogem em direção ao México enquanto são perseguidas pela polícia.

      Brad Pitt, então desconhecido, roubou cenas como cowboy sedutor que ironicamente replica a exploração masculina que as protagonistas tentam escapar. A direção de Ridley Scott, conhecido por Alien e Blade Runner, trouxe grandiosidade ao road movie, filmando o deserto como paisagem de liberdade e condenação. A fotografia capturou uma imensidão sufocante: quanto mais avançam, menos opções restam.

      O filme recebeu seis indicações ao Oscar: Melhor Atriz para ambas protagonistas (Davis e Sarandon perderam para Jodie Foster em O Silêncio dos Inocentes), Direção, Fotografia, Edição e Roteiro Original. Apenas Khouri venceu, tornando-se uma das poucas mulheres a conquistar Oscar de Roteiro Original até então.

      A recepção foi polarizada. Críticos conservadores acusaram o filme de “glorificar violência feminina”. Por outro lado, muitos elogiaram a recusa em transformar as protagonistas em vítimas passivas. O final dividiu ainda mais as interpretações.

      Três décadas depois, o filme segue presente no imaginário cultural. A parceria entre Geena Davis e Susan Sarandon virou referência recorrente, reaparecendo em séries, videoclipes e imagens que atravessam gerações. Ainda assim, uma reflexão continua desconfortável. Por que mulheres que reagem à violência seguem vistas como transgressoras, enquanto homens armados ocupam o centro da mitologia do cinema?

    • Lista dos 100 filmes brasileiros essenciais ganha atualização da Abraccine

      A Associação Brasileira de Críticos de Cinema refez sua seleção dos cem filmes brasileiros mais relevantes (abaixo). Entraram no recorte obras lançadas desde 2016, como “Ainda Estou Aqui” e “O Agente Secreto”, que passaram pelo circuito do Oscar nos últimos anos. A organização também mudou o formato: os títulos agora aparecem em ordem cronológica, não mais por classificação. O levantamento deve virar livro até o fim do ano.

      Lista “100 filmes brasileiros essenciais”
      • “Limite” (1931), de Mário Peixoto
      • “Ganga Bruta” (1933), de Humberto Mauro
      • “O Ébrio” (1946), de Gilda de Abreu
      • “Também Somos Irmãos” (1949), de José Carlos Burle
      • “Carnaval Atlântida” (1952), de José Carlos Burle
      • “O Cangaceiro” (1953), de Lima Barreto
      • “Rio, 40 Graus” (1955), de Nelson Pereira dos Santos
      • “Rio, Zona Norte” (1957), de Nelson Pereira dos Santos
      • “O Grande Momento” (1958), de Roberto Santos
      • “O Homem do Sputnik” (1959), de Carlos Manga
      • “Aruanda” (1960), de Linduarte Noronha
      • “O Assalto ao Trem Pagador” (1962), de Roberto Farias
      • “O Pagador de Promessas” (1962), de Anselmo Duarte
      • “Os Cafajestes” (1962), de Ruy Guerra
      • “Porto das Caixas” (1962), de Paulo Cezar Saraceni
      • “Vidas Secas” (1963), de Nelson Pereira dos Santos
      • “À Meia Noite Levarei Sua Alma” (1964), de José Mojica Marins
      • “A Velha a Fiar” (1964), de Humberto Mauro
      • “Deus e o Diabo na Terra do Sol” (1964), de Glauber Rocha
      • “Noite Vazia” (1964), de Walter Hugo Khouri
      • “Os Fuzis” (1964), de Ruy Guerra
      • “A Falecida” (1965), de Leon Hirszman
      • “A Hora e Vez de Augusto Matraga” (1965), de Roberto Santos
      • “São Paulo Sociedade Anônima” (1965), de Luiz Sergio Person
      • “A Entrevista” (1966), de Helena Solberg
      • “O Padre e a Moça” (1966), de Joaquim Pedro de Andrade
      • “Todas as Mulheres do Mundo” (1966), de Domingos de Oliveira
      • “A Margem” (1967), de Ozualdo Candeias
      • “Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver” (1967), de José Mojica Marins
      • “O Caso dos Irmãos Naves” (1967), de Luiz Sergio Person
      • “O Menino e o Vento” (1967), de Carlos Hugo Christensen
      • “Terra em Transe” (1967), de Glauber Rocha
      • “O Bandido da Luz Vermelha” (1968), de Rogério Sganzerla
      • “A Mulher de Todos” (1969), de Rogério Sganzerla
      • “Macunaíma” (1969), de Joaquim Pedro de Andrade
      • “Matou a Família e Foi ao Cinema” (1969), de Julio Bressane
      • “O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro” (1969), de Glauber Rocha
      • “O Despertar da Besta (Ritual dos Sádicos)” (1970), de José Mojica Marins
      • “Sem Essa, Aranha” (1970), de Rogério Sganzerla
      • “Um É Pouco, Dois É Bom” (1970), de Odilon Lopez
      • “Bang Bang” (1971), de Andrea Tonacci
      • “S. Bernardo” (1972), de Leon Hirszman
      • “Toda Nudez Será Castigada” (1972), de Arnaldo Jabor
      • “Alma no Olho” (1973), de Zózimo Bulbul
      • “Compasso de Espera” (1973), de Antunes Filho
      • “Os Homens Que Eu Tive” (1973), de Tereza Trautman
      • “A Rainha Diaba” (1974), de Antonio Carlos da Fontoura
      • “Iracema, Uma Transa Amazônica” (1975), de Jorge Bodanzky e Orlando Senna
      • “Dona Flor e Seus Dois Maridos” (1976), de Bruno Barreto
      • “Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia” (1977), de Hector Babenco
      • “Mar de Rosas” (1977), de Ana Carolina
      • “A Lira do Delírio” (1978), de Walter Lima Jr.
      • “Tudo Bem” (1978), de Arnaldo Jabor
      • “A Mulher Que Inventou o Amor” (1980), de Jean Garrett
      • “Bye Bye Brasil” (1980), de Carlos Diegues
      • “O Homem Que Virou Suco” (1980), de João Batista de Andrade
      • “Pixote, a Lei do Mais Fraco” (1980), de Hector Babenco
      • “Eles Não Usam Black-Tie” (1981), de Leon Hirszman
      • “Os Saltimbancos Trapalhões” (1981), de J.B. Tanko
      • “Das Tripas Coração” (1982), de Ana Carolina
      • “Pra Frente Brasil” (1982), de Roberto Farias
      • “Onda Nova” (1983), de Ícaro Martins e José Antonio Garcia
      • “Amor Maldito” (1984), de Adélia Sampaio
      • “Cabra Marcado para Morrer” (1984), de Eduardo Coutinho
      • “Memórias do Cárcere” (1984), de Nelson Pereira dos Santos
      • “A Hora da Estrela” (1985), de Suzana Amaral
      • “A Marvada Carne” (1985), de André Klotzel
      • “Filme Demência” (1986), de Carlos Reichenbach
      • “Ilha das Flores” (1989), de Jorge Furtado
      • “Que Bom Te Ver Viva” (1989), de Lúcia Murat
      • “Superoutro” (1989), de Edgard Navarro
      • “Alma Corsária” (1993), de Carlos Reichenbach
      • “Carlota Joaquina, Princesa do Brazil” (1995), de Carla Camurati
      • “Terra Estrangeira” (1995), de Daniela Thomas e Walter Salles
      • “Baile Perfumado” (1996), de Lírio Ferreira e Paulo Caldas
      • “Central do Brasil” (1998), de Walter Salles
      • “O Auto da Compadecida” (2000), de Guel Arraes
      • “Bicho de Sete Cabeças” (2001), de Laís Bodanzky
      • “Lavoura Arcaica” (2001), de Luiz Fernando Carvalho
      • “Cidade de Deus” (2002), de Fernando Meirelles e Kátia Lund
      • “Edifício Master” (2002), de Eduardo Coutinho
      • “Madame Satã” (2002), de Karim Aïnouz
      • “Cinema, Aspirinas e Urubus” (2005), de Marcelo Gomes
      • “O Céu de Suely” (2006), de Karim Aïnouz
      • “Serras da Desordem” (2006), de Andrea Tonacci
      • “Jogo de Cena” (2007), de Eduardo Coutinho
      • “Saneamento Básico, o Filme” (2007), de Jorge Furtado
      • “Santiago” (2007), de João Moreira Salles
      • “Trabalhar Cansa” (2011), de Juliana Rojas e Marco Dutra
      • “O Som ao Redor” (2012), de Kleber Mendonça Filho
      • “O Menino e o Mundo” (2013), de Alê Abreu
      • “Branco Sai, Preto Fica” (2014), de Adirley Queirós
      • “Que Horas Ela Volta?” (2015), de Anna Muylaert
      • “Aquarius” (2016), de Kleber Mendonça Filho
      • “Arábia” (2017), de Affonso Uchoa e João Dumans
      • “As Boas Maneiras” (2017), de Juliana Rojas e Marco Dutra
      • “Marte Um” (2022), de Gabriel Martins
      • “Mato Seco em Chamas” (2022), de Adirley Queirós e Joana Pimenta
      • “Ainda Estou Aqui” (2024), de Walter Salles
      • “O Agente Secreto” (2025), de Kleber Mendonça Filho

    • “Devoradores de Estrelas” encontra vida no desconhecido

      Grande parte da ficção científica contemporânea toma o fim do mundo como ponto de partida e transforma essa perspectiva em distopia. “Devoradores de Estrelas” (“Project Hail Mary”, 2026) parte de um cenário semelhante, mas desloca o olhar. O colapso permanece como ameaça constante, embora o filme pareça menos interessado na destruição em si do que na possibilidade de impedir que ela aconteça. O que sustenta essa tentativa não é um gesto heroico isolado nem uma solução tecnológica milagrosa, mas duas formas de vida aprendendo, aos poucos, a compartilhar linguagem e valores.

      Ryland Grace, personagem de Ryan Gosling, desperta sozinho e sem memória numa nave espacial. Aos poucos, entre fragmentos desconexos e cálculos científicos, entende que foi enviado ao espaço para descobrir por que o Sol está morrendo. No meio da missão surge Rocky, um alienígena cujo planeta é ameaçado pelo mesmo fenômeno. O encontro entre os dois é o que faz o filme pulsar.

      Os diretores Phil Lord e Christopher Miller chegaram ao projeto depois de filmes guiados por exuberância visual e velocidade constante, como “Uma Aventura Lego” (direção) e “Homem-Aranha no Aranhaverso” (roteiro). Aqui, o movimento é outro. O humor permanece, assim como a energia que atravessa a filmografia da dupla, mas a direção demonstra menos interesse em aceleração contínua do que na relação entre os personagens e o espaço que ocupam. Em vários momentos, o filme simplesmente permite que as cenas respirem antes de seguir adiante.

      Isso aparece com clareza em Rocky. Em vez de existir apenas como uma composição digital, o personagem foi construído como marionete, e essa escolha muda a natureza da imagem. Rocky ocupa espaço, altera enquadramentos, interfere na luz da nave. A câmera reage à presença dele como reagiria a qualquer outro corpo em cena. O resultado é uma relação menos abstrata entre o personagem e Ryland Grace. Quando Gosling olha para Rocky, olha para algo que realmente está ali, e o filme entende o peso dessa materialidade.

      Outro destaque é Sandra Hüller no papel de Eva Stratt, responsável por coordenar a missão que pode salvar a Terra. Depois de “Anatomia de uma Queda” e “Zona de Interesse”, Hüller continua trabalhando personagens que resistem à transparência emocional imediata. Stratt administra governos, cientistas e decisões extremas sem procurar simpatia ou aprovação do espectador. Ainda assim, o filme encontra pequenas fissuras naquela postura rígida. Não para suavizá-la, mas para lembrar que alguém sustenta o peso das escolhas que a sobrevivência exige.

      O romance de Andy Weir que deu origem ao filme é ligado à relatividade e à dilatação temporal, e o roteiro não tenta suavizar essa base. As ideias científicas atravessam a narrativa sem pausas longas para explicação nem simplificações destinadas a tornar tudo imediatamente acessível. Existe uma naturalidade rara na forma como o filme incorpora esses elementos ao drama, permitindo que o espectador acompanhe o raciocínio sem que a história precise interromper o próprio fluxo.

      Com mais de 675 milhões de dólares arrecadados ao redor do mundo, “Devoradores de Estrelas” se consolidou como a principal ficção científica recente. Porém, o maior êxito do filme é outro. Em um gênero que aprendeu a transformar o desconhecido em matéria-prima para o apocalipse, “Devoradores de Estrelas” escolhe fazer do encontro uma forma de resistência.