Raccord

Cinema e séries em contínua conexão. Entre planos, obras, épocas e olhares. Curadoria, notícias e tutoriais.

    • A nova rota da frota estelar: Criação e impacto de “Discovery”

      Após cinco temporadas, chegou ao fim Star Trek: Discovery. Criada por Bryan Fuller e Alex Kurtzman, a série estreou em 2017 na Paramount+. A produção integrou a estratégia de revitalização televisiva do universo Star Trek após mais de uma década focada no cinema.

      Embora Fuller seja creditado como cocriador, sua participação efetiva concentrou-se nas etapas iniciais de desenvolvimento. Ainda assim, sua influência é perceptível no interesse da série por personagens emocionalmente complexos. Fuller construiu carreira sólida na televisão norte-americana, com criações como Pushing Daisies (2007–2009) e Hannibal (2013–2015). Nos anos 1990, atuou como roteirista em Star Trek: Deep Space Nine e Star Trek: Voyager.

      Alex Kurtzman, por sua vez, traz um percurso distinto. Consolidou-se como roteirista e produtor de grandes franquias cinematográficas, com créditos em Transformers (2007), Star Trek (2009), Star Trek Into Darkness (2013) e O Espetacular Homem-Aranha 2 (2014). Na televisão, co-criou Fringe (2008) ao lado de J.J. Abrams. Em 2018, Kurtzman firmou contrato de longo prazo com a CBS Television Studios para supervisionar e expandir o universo Star Trek na TV, assumindo papel central em séries como Discovery, Picard e Strange New Worlds.

      Ambientada inicialmente cerca de uma década antes da série original, Discovery acompanhou a tripulação da nave USS Discovery e teve como protagonista Sonequa Martin-Green, no papel de Michael Burnham, especialista em ciências e irmã adotiva de Spock. O elenco incluiu ainda Doug Jones, Shazad Latif, Anthony Rapp, Mary Wiseman e Jason Isaacs.

      Narrativamente, a série destacou-se pela construção de arcos longos e pela disposição em subverter expectativas logo nas primeiras temporadas. As múltiplas linhas narrativas abriam-se de forma fragmentada, mas tendiam a convergir com coerência. Como prova a primeira temporada, uma das melhores criações sobre multiverso. Ao mesmo tempo, Discovery reafirmou valores clássicos da franquia ao enfatizar diversidade, empatia e colaboração em cenários de dilemas morais complexos.

    • “Flora e Filho – Música em Família”: limites de uma fórmula conhecida

      Flora e Filho: Música em Família (Flora and Son, 2023) é o novo longa de John Carney, disponível na Apple TV+. O diretor irlandês retorna ao terreno do drama musical intimista, agora ancorado em relações familiares e mediações tecnológicas. A produção aposta em proximidade emocional, canções e encenação econômica, marcas recorrentes da filmografia de Carney.

      A história acompanha Flora, mãe solo que vive em Dublin com o filho adolescente Max, jovem em conflito com a escola e com a própria família. Ao encontrar um violão descartado, Flora tenta criar uma ponte com o filho por meio da música. A iniciativa leva ambos a aulas online com Jeff, músico em Los Angeles que passa a orientar Max à distância. No elenco, Eve Hewson interpreta Flora, Orén Kinlan vive Max e Joseph Gordon-Levitt assume o papel do professor.

      A direção de Carney mantém abordagem discreta e funcional. A câmera reforça a intimidade entre os personagens e a sensação de cotidiano. A fotografia adota iluminação naturalista e paleta contida, explorando os espaços reduzidos do apartamento de Flora sem recorrer ao excesso de sombra ou à estilização gratuita. A cidade de Dublin aparece menos como cartão-postal e mais como ambiente vivido, coerente com o tom do filme.

      A montagem trabalha com ritmo narrativo regular, alternando conflitos domésticos e momentos musicais integrados à ação. As canções originais surgem sem números performáticos destacados, mantendo a lógica da música como extensão dramática dos personagens. Carney evita transformar as composições em espetáculo separado da narrativa.

      No roteiro, o diretor aposta novamente em personagens falhos e muitas vezes ásperos. Flora não é idealizada como mãe afetuosa, e Max evita o arquétipo do adolescente sensível redimido pela arte. O texto demonstra autoconsciência ao discutir o próprio fazer musical, como quando Flora critica uma composição de Max afirmando que “músicas memoráveis precisam de refrão marcante”, expondo as convenções que filmes musicais geralmente utilizam.

      As atuações sustentam bem o projeto. Hewson constrói uma personagem impulsiva e contraditória, evitando sentimentalismo excessivo. Kinlan transmite insegurança e resistência com naturalidade. Já a presença de Gordon-Levitt funciona mais como apoio narrativo do que como eixo dramático, mantendo-se em segundo plano.

      O principal impasse de Flora and Son surge na reta final. Após desenvolver conflitos de forma honesta e evitar soluções fáceis durante boa parte da narrativa, o filme opta por um desfecho conciliador. A resolução suaviza tensões que haviam sido construídas com cuidado, reduzindo a complexidade emocional apresentada anteriormente.

      No contexto da filmografia do diretor, o filme confirma a consistência de um método, mas também evidencia seus limites. A música segue como ferramenta de aproximação humana, repetindo o recurso de Once (2007) e Sing Street (2016) sem expandir suas possibilidades. Flora e Filho é competente, bem interpretado e tecnicamente sólido, mas não amplia o repertório de Carney nem tensiona sua fórmula estabelecida.

    • “Sex and the City” aos 25 anos: Entre a celebração e a revisão

      O retorno da franquia Sex and the City por meio da série And Just Like That (HBO) coincide com a celebração dos 25 anos da produção original, lançada em 1998, e marca um momento de reposicionamento do projeto.

      Essa atualização contrasta com as condições iniciais de produção. Nas primeiras temporadas, o figurino recorria a brechós e lojas de departamento, operando com recursos limitados antes de a série passar a ser associada a um imaginário de luxo.

      No plano narrativo, a nova produção desloca o foco para personagens acima dos 50 anos, enfrentando a invisibilidade cultural historicamente atribuída a mulheres nessa faixa etária. Ao mesmo tempo, o roteiro responde a críticas recorrentes à obra original ao ampliar a diversidade do elenco.

    • “Seinfeld”

      Há 25 anos, “Seinfeld” chegou ao fim. No vídeo abaixo, criadores e elenco debatem essa que é uma das melhores sitcons de todos os tempos.

      O programa se tornou a maior audiência da TV norte-americana nos anos 1990. Perguntado sobre como conseguia criar programas sobre temas tabus para uma ampla audiência, Jerry Seinfeld é certeiro:

      “Somos muito bons com a linguagem. Acho engraçado ser delicado com algo que é explosivo”

      O seriado sobre ‘nada’ tinha muito a dizer.

    • “Vulcões”: vidas movidas pela força do desconhecido

      “Vulcões” foi o melhor documentário lançado no ano passado. Disponível no Disney+, o filme acompanha a trajetória de Katia e Maurice Krafft, casal de vulcanólogos que transforma a própria parceria afetiva em um projeto de vida e de pesquisa.

      A obra reforça o interesse da diretora Sara Dosa pelas relações complexas entre humanidade e natureza, tema já explorado em “The Last Season”. Aqui, esse olhar se manifesta no modo como o filme articula ciência, paixão e risco como dimensões inseparáveis da experiência do casal.

      Diante das limitações tecnológicas do período, os Krafft precisavam se aproximar fisicamente das erupções para registrar dados e imagens, o que resultou em um acervo visual sem precedentes. Esse material, além de impressionante do ponto de vista estético, tornou-se referência para protocolos contemporâneos de prevenção e resposta a desastres naturais.

      A narrativa evidencia uma relação marcada por cumplicidade e por uma vivência contínua em estado de flow, na qual trabalho e vida se confundem em uma entrega absoluta ao presente e ao fenômeno científico que os move.

      O filme reúne inúmeros méritos estéticos e narrativos. O título nacional, porém, não está entre eles. Enquanto o original (“Fire of Love”) preserva a ambiguidade poética entre paixão e destruição, a versão brasileira acrescenta um subtítulo que enfatiza o desfecho trágico do casal, reduzindo parte da sutileza que sustenta a experiência proposta pelo documentário.

    • “Waking Life”: o cinema como fluxo de pensamento

      Richard Linklater lançou Waking Life em 2001, filme que explora consciência, existencialismo e a natureza dos sonhos através de uma colagem de segmentos narrativos. A obra se destaca pelo uso da técnica de rotoscopia, processo que transforma filmagens ao vivo em animação desenhada quadro a quadro. O resultado é uma experiência visual fluida que reforça a atmosfera onírica da narrativa.

      O filme acompanha um personagem sem nome que transita por diferentes encontros e conversas filosóficas, sem saber se está acordado ou sonhando. A estrutura fragmentada apresenta diálogos sobre livre-arbítrio, tempo, linguagem e morte. Entre os segmentos, destaca-se a participação de Celine e Jesse (Julie Delpy e Ethan Hawke), casal protagonista de Antes do Amanhecer (Before Sunrise, 1995). A cena funciona como ponte entre os dois filmes, antecipando o reencontro que aconteceria em Antes do Pôr do Sol (Before Sunset, 2004).

      Linklater filmou as cenas com atores reais e depois coordenou uma equipe de animadores que redesenharam cada quadro digitalmente. O processo levou meses e resultou em estética instável, com linhas tremidas e cores que se movem independentemente dos objetos. Essa escolha visual não é apenas estilização, mas reforça o tema central do filme sobre a impermanência da percepção.

      Waking Life consolida o interesse de Linklater em narrativas que privilegiam diálogo e reflexão sobre ação. A rotoscopia amplifica a sensação de estranhamento e sustenta a premissa de que o protagonista pode estar preso em um sonho lúcido.

    • “Dois Irmãos”: paternidade como herança afetiva

      Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica é uma animação dirigida por Dan Scanlon. O filme combina fantasia urbana e drama familiar, usando um universo mágico como cenário para uma história íntima sobre perda, amadurecimento e vínculos fraternos.

      A narrativa acompanha Ian e Barley Lightfoot, dois irmãos elfos que cresceram sem o pai. Ao descobrirem um feitiço capaz de trazê-lo de volta por um único dia, eles embarcam em uma jornada para completar o ritual. A produção tem forte caráter autobiográfico. Dan Scanlon já declarou que o filme nasce de sua própria experiência de ter perdido o pai cedo demais e de ter construído referências masculinas a partir do convívio com o irmão mais velho.

      A direção opta por escolhas visuais que reforçam a ideia de um mundo que abandonou a magia em favor da praticidade. Os personagens habitam um ambiente híbrido, onde criaturas míticas vivem rotinas suburbanas, criando contraste entre fantasia e banalidade cotidiana. Essa oposição dialoga diretamente com o arco dos personagens, que precisam reaprender a acreditar em algo além do imediato.

      A obra trata a paternidade como função relacional, não como título biológico. O desfecho reorganiza o sentido da jornada e reposiciona o olhar do espectador sobre quem, de fato, exerceu o papel de guia. É uma das maiores homenagens àqueles que nos ajudam a encontrar nosso lugar no mundo.

      Feliz dia dos pais para todos!

    • Do papel à tela: “Modern Love” reinventa histórias de amor

      ‘Modern Love’ (Amazon Prime) é uma série antológica inspirada na célebre coluna do New York Times, criada em 2004 por Daniel Jones, que reúne ensaios sobre as mais diversas experiências amorosas.

      Cada episódio adapta um desses relatos reais, apresentando histórias independentes sobre relacionamentos contemporâneos. O formato permite um elenco rotativo de estrelas, como Anne Hathaway, Dev Patel, Tina Fey, Andrew Scott, entre outros.

      No meu caso, foi paixão à primeira vista. A série me conquistou desde o episódio inicial, com sua sensibilidade ao retratar as complexidades do amor moderno. Quero que ela tenha tantas temporadas quanto ‘Grey’s Anatomy’.

    • Shippados

      “ “04- Fazer movimentos casuais que o outro gosta; 09- Compartilhar um ataque de riso; 10- O mais importante: Seja Você Mesmo” ” 10 etapas para se apaixonar por alguém. Da série Shippados (primeira temporada, quarto episódio). No programa, Tatá...

      “04- Fazer movimentos casuais que o outro gosta;
      09- Compartilhar um ataque de riso;
      10- O mais importante: Seja Você Mesmo”

      10 etapas para se apaixonar por alguém. Da série Shippados (primeira temporada, quarto episódio). No programa, Tatá Werneck e Eduardo Sterblitch tentam desvendar a dinâmica dos relacionamentos atuais. Disponível na GloboPlay.

      Criado por Fernanda Young e Alexandre Machado, da inesquecível sitcom “Os Normais”, ‘Shippados’ é o capítulo final da parceria criativa da dupla. No ano passado, Fernanda Young faleceu por complicações decorrentes da asma.

    • O ápice de Joel Schumacher

      “Um Dia de Fúria” (“Falling Down”, 1993), meu filme preferido de Joel Schumacher, cineasta que faleceu recentemente. Nele, um pacato cidadão (uma dos melhores performances de Michael Douglas) se rebela contra o que considera disfuncional na...

      “Um Dia de Fúria” (Falling Down, 1993) é meu filme preferido de Joel Schumacher, cineasta que faleceu recentemente. A narrativa acompanha um cidadão comum, interpretado por Michael Douglas em uma de suas melhores performances, que se rebela contra o que considera disfuncional na sociedade contemporânea. O personagem percorre Los Angeles confrontando frustrações cotidianas que escalam para situações cada vez mais extremas.

      Frequentemente, Schumacher é associado ao fracasso de “Batman e Robin” (1997), que comprometeu temporariamente sua reputação. Contudo, sua filmografia apresenta trabalhos consistentes. “O Primeiro Ano do Resto das Nossas Vidas” (1985) captou o zeitgeist da geração yuppie dos anos 1980. “O Cliente” (1994) e “Tempo de Matar” (1996), ambas adaptações de John Grisham, demonstram sua habilidade com thrillers jurídicos. “Oito Milímetros” (1999) explorou o submundo com Nicolas Cage, enquanto “Por Um Fio” (2002) desenvolveu tensão claustrofóbica em tempo quase real com Colin Farrell confinado em uma cabine telefônica.